Le 29 avril 2003

Les gens ne seront jamais d'accord sur ce que nos ancêtres les plus anciens firent tout d'abord : était-ce danser ou faire de la musique? Cependant, étant donné que même tambouriner avec un bâton sur un crâne vide nécessite et suppose que le corps humain fait les mêmes mouvements rythmiques, je pencherais plutôt du côté de la danse.
      D'une façon comme de l'autre, la danse fait partie des activités humaines depuis les temps préhistoriques et il est donc raisonnable d'assumer que la danse existe depuis la présence du genre humain dans ce pays que nous appellons maintenant le Canada. Dans cette optique, la danse professionnelle est une nouvelle venue, tout comme la dance théâtrale, au sens où un groupe de personnes exécute des pas pour le divertissement d'autres qui sont assises et regardent.
      La danse était un élément essentiel de la vie des peuples autochtones du Canada, bien avant l'arrivée des explorateurs venus d'outre-Atlantique. L'impact de siècles de colonisation et d'immigration força les Autochtones du Canada à se battre pour conserver, même fragile, leur riche héritage de danse. Vu l'indifférence souvent hostile des colons européens envers les cultures autochtones qu'ils perturbaient et supplantaient, il était inévitable que les formes de danses autochtones n'aient eu que peu d'influence sur l'évolution future de ce qui, pendant de longues années, fut considéré comme le courant dominant de la danse au Canada. À la fin du 20e siècle néanmoins, grâce aux changements des attitudes et aux initiatives imaginatives, les traditions établies et évolutives au coeur des spectacles de danse autochtone devinrent, de nouveau, un élément essentiel de la culture de nombreuses collectivités autochtones au Canada.

Les raisons d'être et les objectifs de la danse, ont été, au fil des ans, multiples : rituels, récréatifs, sociaux, thérapeutiques, séduisants et expressifs au point de vue artistique. Il est utile de remarquer que même à notre époque, il y a bien plus d'amateurs qui dansent pour des raisons sociales et récréatives, souvent avec beaucoup de talent et de passion que des professionnels payés pour danser sur scène dans des salles obscures.
      Le mot «professionnel» est un mot chargé qui n'est pas toujours à conseiller; un mot qui n'est gage ni de mérite esthétique ni d'autosuffisance matérielle. Il y a malheureusement trop de «professionnels» au sein de la collectivité canadienne de la danse, chroniquement à court de fonds suffisants, qui n'arrivent pas à vivre de leur métier et qui sont, par conséquent, forcés d'augmenter leur revenu en prenant un emploi supplémentaire qui n'est pas toujours intéressant.
      ll faudrait être innocent à moins d'être totalement étranger à ce qui se passe pour savoir pourquoi ceux et celles qui font carrière en danse tolèrent ce genre de situation. La raison, bien entendu, c'est qu'ils ont pris un engagement. Ils ne considèrent pas la danse comme un emploi mais une vocation. Le professionalisme s'applique plutôt à la conscience dont ils font preuve qu'au salaire qu'ils touchent.
      Il est important de constater, dans ce contexte, la centralité du corps qui danse. Les danseurs et danseuses sont au coeur même de la profession. Sans eux, tout le reste serait superflu. Et pourtant, ironiquement, ce sont les danseurs et les danseuses qui sont souvent les plus mal payés, qui ont les pires conditions de travail et qui sont, parfois, les moins respectés.
      Alors, pourquoi cet engagement? D'où leur vient cette passion insensée et délicieuse pour la danse? La plupart d'entre eux admettent qu'ils ont mal, presque tout le temps, même lorsqu'ils s'amusent. Ils savent également que leur carrière sera terminée bien avant celle des musiciens et musiciennes du même âge, qui continueront gaiement à jouer de leur instrument; bien avant celle d'écrivains, hommes et femmes, occupés à griffonner le prochain grand roman, alors que les ténors chantent des contre-ut et qu'acteurs et actrices déclament leurs rôles de cette façon à la fois si égocentrique et si attachante. La réponse à ce casse-tête est passablement complexe.
      Il est quasi impossible de donner une bonne définition ou de décrire adéquatement la danse. L'on peut toutefois, sans aborder le problème de la relation de l'esprit et du corps, dire que c'est quelque chose d'ineffable qui émane d'un corps qui danse, et dont l'effet est parfois si puissant que le seul fait de danser ou de voir un danseur ou une danseuse sur scène peut devenir un moment marquant, une transformation inoubliable. Le mouvement n'a nullement besoin d'être particulièrement spectaculaire ou hautement technique. Il n'a pas besoin de suivre un code particulier. Il n'a pas non plus besoin de raconter une histoire ou même d'essayer d'exprimer une émotion spécifique empruntée. Tout ce qu'il faut, c'est qu'il soit à la fois senti et actuel. Nous sommes privilégiés au Canada de pouvoir être initiés à une gamme extraordinaire de formes de danses et de traditions différentes, allant du ballet au butoh ou à la danse bharatanyatam. L'universalité de la danse est manifeste tout autour de nous.
      Il va sans dire que la danse n'est pas toujours libératrice ni spirituellement exemplaire. Si elle l'était, nous nous en lasserions vite. C'est donc probablement une bonne chose qu'il y ait des danses qui n'ont pour seul but que de nous fasciner et de nous divertir en nous offrant des spectacles de mouvements gymnastiques artistiques ou de perfection technique hauts en couleur. Il y a de la place pour presque tout dans le domaine de la danse car lorsque le corps bouge dans le temps et dans l'espace, c'est qu'il peut réfléchir et jouer, chanter et prier, fêter et se lamenter, raconter des histoires et célébrer notre patrimoine – qu'il peut, à vrai dire, tout faire.

Il n'est pas surprenant, vu le passé colonial du Canada, que la danse professionnelle qui y a fait son apparition, ait des origines européennes. La Nouvelle France avait, dès le XVIIe siècle, assisté à des représentations de ballet classique. Au tout début du XXe siècle, le réseau ferroviaire qui reliait toutes les grandes villes, donna au pays la possibilité de faire partie d'un vaste circuit de tournées nord-américaines au cours desquelles se produirent plusieurs des plus brillantes étoiles de la danse de réputation internationale, dont Vaslav Nijinsky, Anna Pavlova et Léonide Massine du monde du ballet de même que des interprètes de la nouvelle vague : Ruth St-Denis, Doris Humphrey et Martha Graham. Ces artistes modernistes étaient souvent traitées dédaigneusement de «danseuses de ballet nu-pieds» par les traditionalistes. Les va nu-pieds, quant à elles, auraient préféré se servir de leurs pointes comme armes offensives plutôt que comme chaussons de danse. Les divergences entre le ballet et la danse moderne dans le cadre de ce que l'on nomme communément la tradition occidentale de la danse durèrent longtemps avant de disparaître. Leur disparition donna lieu à des aperçus intéressants de part et d'autre et l'émergence de troupes contemporaines pour qui étiqueter formellement les styles n'a aucune importance.

Comme on pouvait aussi s'y attendre, il y avait au Canada des professeurs, hommes et femmes, qui faisaient un très bon travail bien avant qu'il n'y ait des compagnies professionnelles locales d'enseignement de la danse. Boris Volkoff, l'émigré russe dynamique qui s'était établi à Toronto, avait ouvert son premier studio en 1931. Trois ans plus tard, à Vancouver, June Roper avait lancé son école, suivie, peu de temps après, par Gérard Crevier, à Montréal.
      Avant 1936, Volkoff avait mis sur pied une troupe d'étudiants qu'il était allé présenter à Berlin. Trois ans plus tard, il créait le Volkoff Canadian Ballet, qui se targuait d'être la première véritable compagnie de ballet au Canada, rivalisant avec un petit groupe de Winnipeg, fondé à peu près en même temps par deux récentes immigrantes anglaises, Gweneth Lloyd et Betty Farrally.
      À l'époque, les gens n'avaient d'argent pour rien. Il n'y avait ni conseils des arts, ni sociétés commanditaires et tout au plus une poignée de mécènes qui, en plus d'acheter des billets et de faire de temps en temps de modestes dons, collaient des affiches, servaient d'ouvreurs, passaient le balai et faisaient des biscuits pour la réception qui suivait le spectacle.

Royal Winnipeg Ballet - Sleeping Beauty artistes : Jennifer Welsman and Reyneris Reyes photographe : David Cooper

Dans les années 80 déjà, les contours du paysage culturel de la danse étaient l'objet de remaniements substantiels politiques, économiques et sociaux. L'érosion lente d'une hégémonie sociale principalement biculturelle, à la fois anglaise et française, nous a conduit vers une culture richement diversifiée, qui ressemble plus à un kaleidoscope qu'à une mosaïque et au sein de laquelle l'apanage artistique de nombreux peuples différents est respecté comme il se doit et valorisé. Les traditions spécifiques au coeur des danses nationales et les formes de danse plus génériques, de caractère ethno-régional, comme la danse coréenne, celle d'Afrique et des Caraïbes, la danse ukrainienne, la danse classique de l'Asie du Sud-Ouest et bon nombre d'autres sont célébrées tout simplement pour leur faire honneur et combinées de façon originale.
      Le défi financier qui existe lorsqu'il s'agit de soutenir les structures conventionnelles des compagnies de danse se solda par des échecs mais aussi par l'émergence d'une toute nouvelle espèce éminemment adaptable d'artistes «indépendants» –danseurs et danseuses qui formèrent un large groupe où les chorégraphes entreprenants et audacieux ainsi que ceux et celles qui produisaient leurs propres oeuvres, pouvaient puiser pour monter des compagnies temporaires pour des projets particuliers. Le Fringe Festival of Independent Dance Artists, fFida, créé en 1991, est actuellement un diffuseur international prospère qui offre annuellement des danses de tous les genres, du flamenco à la danse du ventre. Ses thèmes récurrents à la fois pluridisciplinaires et multiculturels reflètent à merveille le visage changeant de la danse canadienne contemporaine.
      Même si les trois grandes compagnies de ballet peuvent encore compter sur un public nombreux et se partagent la scène nationale avec des troupes plus petites telles que l'Alberta Ballet, le Ballet British Columbia et le Ballet Jörgen Canada, le code académique qui sous-tend leur mouvement ne peut plus être considéré comme courant dominant, tout autant, ni plus ni moins d'ailleurs, que tout autre code traditionnel rigide. Les interprètes et chorégraphes d'aujourd'hui recherchent et adoptent un éventail infini de mouvements traditionnels qui vont bien au-delà de la géographie et de l'ethnicité, dans une exploration d'un monde entier de potentiel illimité, qu'ils adaptent et transforment en formes nouvelles fraîches et expressives selon un processus de pollinisation croisée et de fusion.
      Les fluctuations économiques qui ont transformé la conjoncture n'ont pas rendu la vie facile aux artistes au Canada, maintenant coincé entre le financement traditionnel paternaliste d'Europe et le néo-conservatisme de marché épousé par nos voisins américains. Les augmentations progressives apportées aux montants des dons de charité qui peuvent être déclarés par les donateurs comme exonérations fiscales devaient déclencher tout un flot de dons du privé, mais les habitudes de toute une vie ne changent pas en quelques années et beaucoup de Canadiens et de Canadiennes croient encore que payer leurs impôts suffit amplement.
      Les entreprises commanditaires qui devaient prendre la relève et compenser les compressions gouvernementales battirent en retraite dès le début de la récession. La plupart des organismes dans le domaine des arts manquent de liquidité ou de fonds de réserve pour pallier à des fluctuations économiques inattendues.
      Maintenant, tandis que l'économie mondiale lutte pour se libérer d'une des pires crises économiques depuis des décennies et que les gouvernements continuent à freiner leurs dépenses, les artistes de toutes les disciplines rivalisent avec des causes sociales auxquelles on ne saurait résister, telles que l'enseignement et les soins de santé, pour les rares dollars des entreprises et des fondations. Même s'ils ont déployé des trésors d'ingéniosité à trouver des moyens de réduire leurs dépenses et d'augmenter leur revenu gagné, il y a des limites au chemin qu'un organisme dans le domaine des arts, aussi entreprenant et hardi soit-il, peut parcourir avant de vendre son âme pour un plat commercial de lentilles. Presque tous nos organismes des arts de la scène, y compris ceux de la danse, ne disposent pas de fonds suffisants et, pour deux sous, doivent justifier leur importance et leur rapport à la société, comme si leur existence pouvait être définie en termes purement utilitaires.
      Considéré froidement dans cette optique utilitaire il n'est pas nécessairement facile de dire pourquoi un tableau, un roman, un morceau de musique, une pièce de théâtre ou une danse possède de l'«importance» et pourquoi l'une ou l'autre de ces réalisations artistiques est aussi importante que le fait d'engager des travailleurs et des travailleuses de la santé ou des enseignant(e)s.
      Nous pouvons citer un tas d'études qui se targuent de prouver que toute aide financière accordée au domaine des arts, si petite soit-elle, a des retombées économiques spectaculaires. Il est bien plus difficile de chiffrer la «qualité de vie» un concept plus étendu et, si l'on peut dire, bien plus important. On ne se rend pas toujours compte de la véritable valeur de quelque chose que l'on tient pour acquis à moins de le perdre.
      Il a fallu plus d'un demi-siècle pour tisser la riche étoffe de la danse canadienne et les résultats sont extraordinaires. Les artistes, chorégraphes et interprètes canadiens de la danse exercent leur art de par le monde. Aucun pays ne peut se vanter de posséder un éventail plus varié de formes de danse.
      Et nous voici arrivés à aujourd'hui et à l'émergence de l'Assemblée canadienne de la danse, un nouvel organisme de services dans le domaine des arts, dédié à la danse. Son arrivée est opportune et indispensable tout à la fois, étant donné que les défis et les occasions auxquels fait face la danse sont on ne peut plus considérables.
      Cas de fausse modestie ou de simple négligence, la danse au Canada n'a pas suffisamment affiché ses réussites. L'absence d'un organisme national au mandat généralisé et consacré à l'échange d'information et la mobilisation d'activités de couloir concertées ont mis la danse en position de désavantage concurrentiel.
      Il y a de nombreux problèmes urgents, allant de la sécurité d'emploi et des conditions de travail à la prévention des accidents et aux initiatives de réorientation professionnelle, qui ont besoin d'être abordés à l'échelle nationale. Une assemblée nationale peut favoriser et mettre en oeuvre des stratégies innovatrices et originales s'appliquant à des domaines aussi variés qui vont des tournées et du financement à la mise en place d'initiatives de coopération efficaces avec les autres disciplines artistiques.
      Il est étonnant qu'un pays qui ait été le chef de file des mouvements et des organismes nationaux dans le domaine de la danse au cours des années 50 et de nouveau au cours des années 70, reparte maintenant du début. L'important, c'est, cette fois-ci, de mieux démarrer.